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아이린이 그림을 보는데 본인 스스로 인기가 높다고 생각하는 S 씨의 고풍스러운 옛 도자기와 가구들을 사실적으로 그린 그림을 눈길 한번 안 주고 그냥 통과해 버렸다. 그런데 원광대학교 미술대학장을 역임한바 있는 고 고화흠 선생의 그림 <백안(白岸)> 앞에서는 그림을 다 외울 정도로 보고 있었다. 여기서 잠깐 고 고화흠 선생을 소개하자면, 전주사범학교 2학년 때 동기인 고 유경채 선생(당시 예술원 회장, 서울대학교 교수)과 함께 선전에 입선 경력을 가진 분으로 수채화유화인물화정물화풍경화 등을 자유자재로 대상도 모델도 없이 그렸고 특히 서예에 능하여 그림보다 병풍이 많은 사람에게 소장되어 있다고 본인께서 말씀하셨다. 선생의 유일한 추상 시리즈가 바로 백안이라는 제목으로 그려졌었다. 그리고 가히 주선(酒仙)이었다. 그래서 내가 아이린에게 물었다. 사람들 대부분이 잘 그렸다고 하는 저 그림은 무심히 지나치면서 왜 이렇게 이 그림은 열심히 보느냐는 내 질문에 그녀는 그렇다. 그의 그림은 잘 그렸다는 한 가지 뜻밖에 없다. 그러나 이 그림은 여러 가지 뜻이 있기에 오래 보게 된다.라고 했다. 그때 S 씨가 자랑스레 귀띔해준 덕에 금방 알아볼 수 있었던 재벌의 회장이 다른 작가의 그림은 흘겨보지도 않은 채 그의 그림 앞에 곧장 다가가 서 있었다. 그 의미는 그 그림의 매매가 이미 성립되었음을 말하는 것이다. 아이러니하게도 그 전시회가 끝날 때까지 고 고화흠 선생의 작품은 매매되지 않았다. 나는 이 글에서 절대로 화력이나 경력 따위를 이야기하자는 것이 아니다. 화력이 아무리 좋아도 옛날식의 사고와 표현은 거절한다. 오히려 그런 것을 권위랍시고 내세우는 사람들을 저주한다. 다만 그런 것들이 삭혀져 그 바탕에 새로움을 받아드리는 겸허함을 말하려는 것이다. 자 이제 여러분이 판단해야 한다. 어떻게 그릴 것인지 무엇을 그릴 것인지 무엇을 어떻게 그릴 것인지 어떻게 무엇을 그릴 것인지를 누가 강요할 수 있을까?
그렇지 않아도 관심도 없는데 재미도 없는 미술을 어렵게까지 하려는 의도는 전혀 없다. 물론 화가는 잘 그려야 되는 의무가 있다. 그러나 잘 그린 그림이 곧 좋은 그림은 아니다. 잘 그린 그림이 대학 입시의 평가에 필요하다면 좋은 그림이란 영원히 우리 곁에 있어야 하는 것이다. 어느 날 나의 후원자를 자처하는 사업하는 후배가 100여 평이 넘는 큰 작업실을 마련해 주었다. 그 대가로 인도네시아 대사 방문에 맞춰 한나절 전시회도 치러보고, 대만의 무역 왕이라는 사람을 만나 전시회도 기획하는 좋은 일과, 필요하면 그림을 가져가는 나쁜 일도 있는 일종의 계약을 맺은 셈이다. 어느 날 그 후배가 미국에서 소더비의 큐레이터 아이린 에스콰이어가 작업실에 온다는 것이어서 적잖이 놀랐다. 말로만 듣던 소더비의 큐레이터가 내 작업실을? 꿈인가 했다. 나중에 알고 보니 소더비에 한국관을 만들고 싶어 골동품을 둘러보러 왔는데 개인적인 친분으로 그곳에 불러 하룻밤을 보내게 된 것이었다. 처음에는 이름에 에스콰이어가 들어가 있어서 이상했다. 그때까지 나는 구두 이름으로만 알았던 것이 사람 이름에 들어가 있으니 말이다. 나중에 영문학 교수에게 물어보니 영국의 나이트처럼 미국의 귀족에게 주어지는 호칭이란다. 시차도 못 느끼는지 오랫동안 이야기를 하다가 연꽃과 연이파리 밑에 원앙 비슷한 것들을 반구상으로 표현한 80호 크기의 내 그림 하나를 보며 저 작품을 미국에 소개하고 싶단다. 나는 거의 실감이 나지 않아 반신반의 상태로 마지못해 그렇게 하라고 하면서도 그런데 비행기에 어떻게 싣고 가냐?고 했더니, 문제없다고 씨익 웃으며 일어나더니 능숙한 솜씨로 틀에서 캔버스 천만 뜯어내 둘둘 말았다. 그날은 늦은 밤 헤어지고 이튿날 작업장에 가보니 내가 도착하자마자 다른 사람들은 후배와 함께 급하게 어디로 가버리고 단둘이서만 아이린의 원래 목적대로 인사동으로 가야 하는데 영어를 하는 사람들이 모두 사라지고 나니 손짓발짓 영어가 시작되었다. 인사동에서 아이린의 일을 마치고 우리는 당시 서울신문사의 프레스센터에 갔다. 그곳 1층에선 그룹전이 열리고 있었는데 고 고화흠 선생을 포함하여 열댓 명 남짓이 출품했었다.
죽은 자의 치아를 묻는 것이 치총이다. 이때 어디서 비명횡사하여 시신을 못 찾을 때 집에 보관된 이를 묻으면 쉽겠으나 없는 경우가 많다. 배비장전에 나오듯이 당시에는 정분을 약속하는 의미로 이를 빼주는 풍습이 있어서 집을 나간 양반의 시신을 못 찾을 때는 평소 정분을 나누던 기생에게 찾아가 치아를 사서 묻었던 것이 치총이다. 언제부터 언제까지 유행한 것인지는 모르겠으나 어딘가에서 읽었던 기억에 의하면 이 하나에 쌀 두 섬까지도 받았다 한다. 그 당시에는 임플란트도 없었을 텐데 당시의 바람꾼들은 이가 남아나지 않았을 것이라 생각하니 실소가 나온다. 발총은 고인의 머리카락 같은 것을 묻는 것이다. 지금도 군부대에서는 신체의 일부인 손톱이나 발톱을 깎아 놓고 나가는 훈련도 있다. 훈련 시 혹시 시신을 못 찾는 불상사에 대비하기 위해서 이다. 여인의 경우에는 육신이 없을 때 집에 남아있던 치마를 매장한 치마무덤의 기록도 있다. 묘제에는 일반적인 것으로 땅에 묻는 토장, 물속에 넣어버리는 수장, 지상에 시신을 노출시켜 썩게 하거나 짐승의 먹이로 주는 풍장, 요즘 대세인 불에 태우는 화장이 있으나 화장과 매장을 다 이용하는 방식도 있다. 역사적으로 세계에 단 하나뿐인 해중릉도 있다. 이 해중릉은 신라 문무대왕이 용이 되어 왜구를 물리치겠다는 뜻으로 묻힌 무덤( 사적 제158호)이 경주시 양북면 봉길리 앞 바다에 있다. 아프리카의 어느 바닷가 부족은 남아 있는 자손들이 풍요로운 먹이를 취하게 하기 위하여 바다에 시신을 버린다. 토장이나 매장은 인류 사회에서만 있는 것으로 결국 시신의 연부는 썩히고 뼈는 보존한다는 것이 기본이다. 분묘에는 피라미드와 마스터파, 그리고 왕릉으로 대변되는 무덤이 있다. 이것들은 모두 영혼은 항상 존재하는 것으로 믿었기에 가능했던 것이며 사람이 죽었을 때 돌아간다는 말에서도 이를 짐작할 수 있다. 우리의 왕릉이 축조된 위치는 대개 산을 등지고 냇물이 흐르는 넓은 들을 끼고 있어 당시의 생업이 농업이었음을 알 수 있다. 그리고 무덤은 그 크기의 차이에 따른 권력의 상징이었다.
아름다운 인생이었거나, 아쉬웠던 인생이었거나, 또는 원망의 세월이었거나 간에 누구에게나 죽음은 기어이 한번은 찾아오고야 만다. 시인 김지하가 젊은 날 한 때 어름사니(남사당 패거리의 줄 광대)라는 시에서 죽음은 좋은 것, 어차피 한번뿐일 테니까라고 호기를 부렸지만, 보통 사람들에게는 그리 쉬운 일은 아닐 것이다. 누구의 죽음이라도 그 지역 문화에 따라 처리될 뿐이다. 볼케나우가 밝힌 내세관에 의하면 첫째 이집트 사람들처럼 죽음을 부정하는 것이다. 육체인 세트(Set)도. 영혼들 바(Ba)와 카(Ka)도 영원히 살아있다는 사상, 그래서 미이라를 만들고 뇌와 내장은 적출하여 카노보스라는 병에 밀봉하여 보관하는데도 심장만은 적출하지 않고 주술이 깃든 부적으로 덮어 소다와 향료를 넣은 수지로 만든 마포를 여러번 감아 미이라로 보관했을 것이다. 그리스의 사학자 헤로도투스의 증언이다. 물론 살았을 때의 신분에 따라 다르다. 어떤 자는 넓은 피라밋이나 마스터파에 들어가고 천한 사람들은 그냥 들판에 던져진다. 두 번째는 죽음을 수용하는 것이다. 죽으면 끝이다. 그래서 실존주의가 발달된 그리스 지역이다. 그들은 24시간 이내에 장례를 치러도 안 되고 48시간을 넘겨도 안 되는 관례를 가지고 있었다. 셋째는 기독교 문명권의 죽음이다. 그들은 죽음을 인정하지만 그 죽음을 어떤 형태로든지 초월하려 한다. 넷째가 우리나라를 비롯 동양문화권에 있는 나라들의 죽음과의 연결 사상이다. 육체는 소멸되지만 영혼만은 불멸하여 윤회를 거듭하는 것이다. 그래서 장례의 방법이나 법도가 더 복잡해진 측면도 있다. 우선 장레를 치루는 일수도 신분이나 재산에 따라 3일장, 5일장, 심지어는 광개토대왕처럼 3년장으로 치러지는 경우도 있다. 육체에 다시 영혼이 깃들기를 기다리는, 즉 예수님도 아닌데 부활을 기다리는 시간이다. 무덤의 내용도 허총(虛塚)을 비롯 혈총(血塚), 발총(髮塚), 치총(齒塚) 등이 있으며 때로는 신주(神主)만 묻기도 했다. 전쟁에 나가는 남편이나 아들에게 문신을 해 주고 전쟁이 끝나도 돌아오지 않으면 전장을 돌아다니며 문신을 보고 아들을 찾거나 그도 못 찾으면 문신을 할 때 피를 닦았던 손수건의 피를 묻으며 혈총을 만들었다.
자코피노 델 콘테가 그린 미켈란젤로 초상화 사람들은 나의 뛰어난 솜씨에 놀란다. 하지만 이런 솜씨를 익히기 위해서 내가 얼마나 열심히 노력했는지 알게 된다면 더는 놀라지 않을 것이다.라는 말을 했던 부오나로티 미켈란젤로(1475-1569, 이탈리아)와 레오날도 다빈치 그리고 라파엘을 모르는 사람은 없을 것이다. 자연의 힘으로는 다시 만들 수 없다는 천재로 이 세상에서 67년을 살다 간 다빈치는 평소 보람찬 하루 끝에 행복한 잠이 오듯 보람있게 쓰는 인생은 행복한 죽음을 가져온다.라는 말과는 달리 유언은 나는 단 한 가지도 이룬 것이 없다.이었다. 이미 모든 학문의 천재이며 화가를 단순한 기술자가 아니라 훌륭한 인문주의자로 위치를 증명해 보인 다빈치의 유언치고는 너무 아쉬움이 남는다. 짐작건대 그 당시에는 황당하기까지 했었을 그의 천재성을 몰라주는 사람들이 못내 원망스러웠을 것이며 그래서 그의 유언에는 아쉬움이 가득하다. 그 시기의 세 천재는 다빈치가 미켈란젤로보다 23살이 많았고 라파엘은 미켈란젤로보다 7살이 적었다. 그리고 라파엘이 37세로 요절하였으니, 이 지구상에서 그들이 같은 공기를 마셨던 기간은 36년쯤 된다. 당시의 교황 율리우스 2세에게 네 몸에는 피가 흐르는 것이 아니라 페인트가 흐를 뿐이다.라거나, 내가 다음 세상에 다시 태어난다면 교황 따위는 되지 않으리라. 반드시 너와 같은 화가가 되어 신을 가깝게 보리라.라는 말을 하게 만든 미켈란젤로는 4년간 시스티나 성당의 천장화를 그릴 때 자기가 가장 존경했던 아버지께 보낸 편지에 지난 6개월 동안 교황청에서는 단 한 푼의 돈도 보내오지 않았습니다. 그렇지만 나는 오늘도 열심히 그리고 있습니다. 다만 나의 아름다운 죽음을 위하여라고 했다. 왜냐하면 당시 교황은 거듭되는 전쟁의 군비로 돈을 모두 지불해야 했기에 자신의 묘지도 못 만들 상황이었기 때문이다. 정작 89년의 생애를 마감하면서는 나의 영혼은 신에게. 나의 육체는 땅에, 나의 재산은 친척에게이었다. 지극히 냉정하고 정리된 죽음이었다.
미켈란젤로 태어나는 것도 심상치 않은 일이겠으나 죽는다는 문제도 범상치 않다. 유언은 삶과 죽음의 마지막 갈림길에서 내뱉는 말이기에 더욱 그 사람의 일생을 돌아보게도 할 것이다. 화가 페루지노는 목사의 마지막 기도를 거부하면서 회개하지 않은 사람이 저세상에서 어떻게 되는지 알아보고 싶소., 시인 하이네는 하나님은 나를 용서할 것이요. 그것은 그의 직업이니까., 오 헨리는 불을 밝혀라. 어둠 속에서 집으로 돌아가긴 싫다.라고 하였지만, 루스벨트는 불을 꺼.였다. 러시아 혁명가 미카엘 베스트채프의 유언은 올가미 줄이 중도에 끊어지자 나에게 되는 일이라고는 하나도 없군. 이것조차 뜻대로 안 돼., 프랑스 왕비 마리 앙투아네트는 교수대에 올라가면서 실례합니다., 토머스 모어는 턱수염을 한쪽으로 제치면서 이것이 왕의 비위를 건드리지 않았으니 이것까지 자를 필요는 없소., 헤겔은 나를 이해한 사람은 오직 한 사람뿐이었지. 그런데 그 사람조차 나를 이해하지 못했어, 나는 이유도 모른 채 태어나 이유도 모른 채 살다가 왜 이렇게 죽는지도 모르고 죽는다., 피에르 가상디는 아들에게 나를 좀 일으켜다오. 지는 해를 보고 싶구나., 원망으로 죽음을 맞이한 카이사르는 블루투스 너마저., 아버지를 향한 원망과 아쉬움을 남긴 로트레크는 바보 같은 늙은이., 아쉬움만을 남긴 당신을 사랑해. 사라 당신을 사랑해.만 반복한 미국 대통령 제임스 포크, 프랑스 육군 사령관, 조세핀을 되뇌다 죽은 나폴레옹 등의 유언이 있다. 신문 발행인 베른은 오늘 뉴스는 뭐지?, 문법 학자 도미니크 부르는 나는 막 죽어간다. 또는 죽을 것이다. 이 두 가지 표현이 모두 가능하다., 의사였던 조제프 헨리 그린은 스스로 자기 맥박을 집으며 멈췄군, 역시 의사였던 조지 쿰은 지금 내 느낌으로 봐선 나는 분명히 죽고 있소. 차라리 잘 되었소., <표본실의 청개구리>의 작가로 유명한 염상섭은 소주 한 잔만이 마지막 유언이었다 한다. 예에서 보듯 자기 삶에 따라 유언이 나오는 모양이다.
예를 들자면 둥근 산 밑에 작은 꽃들이 많이 피었다는 것은 엄마한테 불만이 많다는 뜻이고, 산이 두 개 이상 크게 그려져 있으면 부모의 과잉 욕구에서 오는 반항심이 내재되어 있으며, 산의 정상이 보이지 않으면 아빠의 태도에 문제가 많다는 의미로 보면 된다. 황토색이나 고동색이 배 부분에 칠해져 있으면 배고픔을 호소하고 있다고 보면 거의 틀림이 없다. 태양이 검정색이거나 황토색일 때는 아빠의 애정이 극히 부족하거나 멀리 떠나 있을 때 혹은 사망했을 때이다. 태양은 햇살도 포함하여 여러 가지 의미를 갖는다. 구름에 태양이 가려 있을 때, 햇살이 약할 때, 태양의 높낮이, 태양이 잘려진 상태에서도 아이들은 자기 속내를 말하고 있다. 나무도 그렇다. 주위에 비하여 나무가 너무 굵을 때는 표면적으로는 자신만만하나 불안함을 내포하고 았으며, 자기주장이 강하든가 아니면 열등감의 반발로 자기를 과시하려 할 때이다. 반대로 가지가 너무 빈약할 때는 환경과의 조화가 불충분하고 성격이 세심할 때이며 고목만을 그리면 자기 존재감이 약하여 불안감을 느끼거나 쓸쓸할 때이다. 나무보다 줄기가 더 굵을 때도 마찬가지로 내면적인 불안감을 감추려는 때이다. 나무를 많이 그리는 표현은 소유욕이 특히 강하고, 나무에 열매가 많이 달린 경우 여러 가지 색상으로 표현되었다면 부모의 간섭이 심하여 틀에 박힌 행동을 하는 어린이로 정서가 부족하다. 나뭇가지가 너무 짧게 그린 경우는 성격이 소심한 아이로 자신의 욕구를 표현하지 못하여 건전한 발달이 부족할 때이다. 다시 강조하지만 아동화의 교육 목적은 고른 정서의 발달과 상상력과 창조성, 관찰력의 향상을 목표로 한다. 그러기 위해서는 꾸지람은 절대 안 된다. 칭찬으로 일관하여 더욱 솔직한 표현을 할 수 있도록 해야 한다. 상을 받게 하기 위해서 하는 노력도 헛되다. 상을 주는 심사위원도 성인의 그림에 그 수준을 맞추는 어리석음을 반복해서는 안 된다. 어린이집, 유치원, 초등학교에서도 미술 교육은 전문성을 띄어야 한다.
김강민(5년 2개월), 내 엄마 아이들은 나이에 맞은 발달 과정을 겪는다. 무의미한 끄적거리기를 하다가 원이 나오고 원에서 팔다리가 나오는 두족화가 표현되고 7세쯤 되면 보이는 대로 그리기보다는 알고 있는 것을 그리는 시기로 아직 주관이 많이 앞서는 시기를 지나 집단을 이루려는 시기를 지나면서부터 그림을 잘못 그리는 것에 실망을 느끼게 된다. 어렸을 때는 엄마의 모습을 보지 않고도 곧잘 그렸는데 이제는 엄마를 수없이 쳐다보아도 도무지 그릴 수가 없다고 느낀다. 15세쯤 되면 잃었던 흥미를 다소 찾게 되는 부활의 시기가 찾아온다. 남자아이는 기술적이고 기계적인 표현에 흥미를 느끼고 여자아이는 색채나 선, 어여쁜 형상에 관심을 갖게 되어 장식적인 표현에 흥미를 느끼게 된다. 아이들은 또 그림에 자기가 원하는 것이나 자신의 감정, 건강 상태, 환경 상태 등을 암시하기 때문에 유의하여 보면 지금의 처지를 알 수 있다. 예를 들어서 뭔가 점을 찍는 아이는 지금 불안하고 초조하다. 화장실에 간 여자아이가 안에 사람이 있어 볼일을 보지 못하면 제자리에서 발을 동동거리는 것과 같다. 나타난 표현이 혼선일 때는 정신이 혼란한 상태를 나타내며 뭔가 갈피를 못 잡고 있을 때이다. 옆으로 사납게 그어진 횡선은 도리질처럼 부정하는 것이고 긍정적일 때는 고개를 끄덕이듯 종선이 사용된다. 그 횡선과 종선이 잔잔하냐 아니냐에 따라 다르기도 하다. 만약 어떤 인물을 그려놓고 그 위를 검은색이나 빨간색으로 거칠게 칠해 있으면 그 인물을 죽이고 싶다는 표현이기도 하다. 그러나 같은 빨간색이라도 부드럽게 사용할 때는 애정이 풍부한 경우이다. 꼭 알아야 하는 것으로는 신체의 세부를 크게 강조하는 경우 그 부분에 대한 혐오감을 말하거나 아픈 경우이다. 특히 귀를 더 크게 그리는 아이들이 많은데 이는 잔소리 때문인 경우가 많다. 아빠를 상징하는 것으로는 삼각형의 지붕이나 산, 태양, 해바라기 등이고 엄마를 상징하는 것으로는 둥근 산이나 지붕, 튤립 등이 있다.
또 당연하다는 듯이 너는 나를 닮아 그림에 소질이 없나보다.고 한다. 그 아이는 나중 미술시간을 대수롭지 않게 여기게 되나 반복적으로 돌아 오는 미술 시간에 뭔가를 그려야 하는데 자꾸 위축되기 마련이다. 나중에는 손바닥이나 도화지의 일부분으로 가리고 그림을 그린다. 거기다가 선생님이 아이의 자신감을 회복해준다고 옆에 가서 잘한다거나 무슨 충고를 하면 더 위축되어 미술시간이 생지옥 같아진다. 이런 아이들은 공동작업을 시켜서 자연스럽게 자신감을 회복시켜야 한다. 한 화면에 4~5명을 투입하고 문제의 아이는 상대적으로 쉬우나 넓은 면적을 하게 하여 공동으로 성취감을 느끼게 해야 한다. 우리 아이는 그림을 아주 잘 그려요. 색칠공부를 사다 주면 선 밖으로 절대 색상이 나가지 않게 칠하거든요. 울화를 유발시키는 뻔뻔함이다. 이건 사람을 순응화시키려는 식민 교육 사상이다. 자유롭게 그린 그림, 정확한 해설이 정답이다. 소풍을 다녀와서 소풍을 주제로 그리게 하는 것보다 소풍가기 전에 소풍을 가면 무엇을 할 것인가를 그리게 하는 것, 시장을 주제로 예고없이 그림을 그리게 하는 것보다는 미리 예고하고 시장에 들려보고 나서 그림을 그리게 하는 것은 또 어떤가? 서양에서 미술을 받아들이는 일본인들이 이를 기술이라 여겨 맨 먼저 공대에 미술과를 두었던 것까지 일제를 닮았다는 것이 서럽지 않은가? 프뢰벨(Friedrich Wilhelm August Frobel, 1782~1852)에 의하면 6세까지가 유아기이다. 이 시기의 아동들에게 무엇보다도 중요한 것은 칭찬이다. 칭찬은 고래도 춤추게 하는지는 잘 몰라도 우리의 아이들을 춤추게 한다. 그렇게 그리면 안 된다거나 살에는 살색을 칠해야 하고 몸에서 팔의 비례는 어떻다는 등의 발언을 해서는 절대 안된다. 그런 주문은 상상력을 배제하고 개념화만 만들뿐이다. 성인의 잣대로 아이들의 그림을 잴 수는 없다. 어린이들은 눈으로 보이는 것을 그리는 것이 아니라 마음 속으로 그림을 그리기 때문이다. 엄마를 보지도 않고 엄마를 그리다가 차츰 엄마를 바라보는 횟수가 늘어날 것이다. 유아일수록 마음속에 이미 그려진 모습을 그려내기 때문이다.
이정우(6년 1개월)작 '괴물' 상당히 큰 규모의 어린이 사생대회에 심사를 간 적이 있었다. 다른 사람은 어떤지 몰라도 나는 지나가면서 마음을 정하고 되돌아오면서 낙선작부터 골라내는 것이 방법이다. 지나가면서 우주와 우주선을 그린 그림이 참 기능적이어서 눈에 띄었다. 그런데 계속 가다보니 구도만 조금 바꾸고 색감이나 형태가 같은 그림들이 여러 장 발견되었다. 돌아오면서 그 전부를 낙선으로 찍어 내렸다. 심사가 끝나고 나이 지긋한 여 선생님 한 분이 나한테 삿대질을 하며 고함을 질렀다. 고함의 내용인즉 중앙의 어느 신문사에서도 항상 얘네들은 특선인데 네가 미술을 아냐는 것이었다. 주최 측도 욕을 싸잡아 먹었다. 자격도 없는 나같은 것을 심사를 시켰다고. 정말 대단했다. 그 고함이 끝날 때까지 기다리는데. 어휴 그냥---. 기다렸다가 물었다. 선생님 우주여행을 아이들과 함께 좀 가시지. 출장비가 모자랐나 봐요 왜 선생님 혼자 다녀오셔서 우주는 이렇게 생겼더라고 주입식으로 강요하셨어요? 다음부터는 출장비 넉넉하게 신청해서 아이들과 같이 가보세요. 아이들도 저마다 느끼는 점이 다 다를 것인데요? 초등학교 3학년 선생님에게 허락을 구하고 교실에 들어섰다. 그 시간에는 풍경화를 한다고 지도 안에 적어 있었다. 그래서 아이들을 조용히 나가서 본관 건물의 벽돌과 유리창을 만져보고 오게 하였다. 그리고 칠판에 거칠다를 쓰며 유리창은 거칠던가요? 아니요 이번에는 칠판에 매끄럽다를 쓰며 말하니 이구동성으로 매끄러워요 대답한다. 그 날의 풍경화 제목은 본관 건물 그리기였다. 자기들 스스로 거칠다와 매끄럽다를 외쳤으니 그 날의 고민은 어떻게 그것을 표현하느냐는 것이었다. 아마 머리에 쥐가 났을 것이다. 물론 아이들은 그 두 개의 표현을 하지는 못했지만 거칠다와 매끄럽다는 말에 책임을 못한 것은 지금도 한이 될 것이다. 집에서 부모가 아무렇지도 않게 쟤는 누굴 닮아서 그림을 못 그리지?하며 웃는다. 그 웃음 속에는 못 그려도 괜찮다는 뜻이 내포되어 있다. 국, 영, 수, 과, 사와 같은 중요 과목이 아닌 여벌 과목이니 괜찮다 생각한다. 부모 모두 대졸일 것이다. 아니 요즘은 대학원 졸도 많을 것이다.
생리 위생과 정신 위생이라는 말이 있다. 아이가 감기에 감염되면 정신없이 병원에 데리고 간다. 생리적 위생에 철저하다. 그러나 그런 부모들도 아이들의 정신 위생에는 무관심하다. 아이들 나름대로 불만과 스트레스가 쌓이는데 그것을 해소하여 주지 못하면 정신적으로 타격을 받게 된다. 아빠가 엄마에게 폭행을 할 때 바라보는 아이는 나름대로 평가를 하는데 힘이 없으니 응징할 수 없다. 이런 것들을 자발적으로 해소하여 주는 것이 그림이다. 특히 글을 아직 모르는 유아기에는 더욱 그렇다. 그림으로 옮겨지면 엄마를 크게 그리고 아빠의 손을 안 그리는 등으로 응징을 하여 불만을 해소할 수 있다. 힘으로 위축이 되는 친구와의 갈등도 친구와의 정이나 가족간의 정도 그런 식으로 표현하여 자기 세계를 구축해 간다. 화가를 시키기 위하여 미술 교육을 하는 것이 아니라 정서의 고른 발달을 위하여 미술 교육이 필요한 것이다. 어린이의 꽃 그림을 보면 대개가 해바라기와 튤립이다. 꽃의 정면은 해바라기를 측면은 튤립으로 표현한다. 그런데 어떤 아이는 튤립만 그린다. 언제나 세련된 꽃을 그리지만 날이 갈수록 다른 꽃을 그리지 못하는 자신에게 스스로 열등감을 느낀다. 그림을 거꾸로 그리는 아이도 있다. 엄마가 항상 자신의 앞으로 그림을 그려주니 반대편에서 바라 본 결과이다. 그림을 검정색으로만 그리는 아이도 있다. 엄마는 마치 큰일이라도 난 것처럼 호들갑을 떤다. 검정색 도화지를 주면 된다. 기억색(Memory Color)으로만 그리는 아이도 있다. 하늘은 하늘색, 땅은 땅색, 얼굴은 얼굴색으로만 그린다. 지금은 조각가로 꽤 알려진 아들이 초1때 학원과 학교의 커넥션으로 미술학원에 다닌 일이 있다. 마침 내가 미술학원에 간 날, 그 날의 주제는 아빠 그리기였다. 아들이 아빠 얼굴을 빨간색으로 그리는 것을 본 학원장이 얼굴을 왜 빨간색으로 하냐면서 친히 살색을 칠하라고 크레파스를 집어 주었다. 그 길로 아들을 데리고 나왔다. 그 아이의 아빠는 맨날 술에 절어 얼굴이 붉은 색이었던 것이다.
허버트 리드(Herbert Read, 1893~1868)는 과거 수십 년간에 어린이 예술에 대한 인식은 온 세계에서 혁명적으로 높아가고 있다. 우리들이 향유할 수 있는 예술은 교육의 한 방법이다. 그러나 그것은 결코 단순한 교육이 아니라고 생각하게 되었다. 어린이들이 예술성을 갖고 있다는 것은 그 정신 발달에 필요한 시각의 상(像)과 형태의 상에 의하여 자기를 표현하는 것을 말한다. 그들의 회화적인 언어는 그들 자신의 권리를 나타내고 있는 증거이다. 성인의 표준에 의하여 판단을 내려서는 안될 것이다. 그것은 어린이만이 갖고 있는 커뮤니케이션의 한 수단이다. 그것에 의하여 성인은 어린이를 이해할 수 있고 또 어린이의 주위 환경을 이해할 수 있는 것이다. 예술이란 오늘 얻어진 특수한 산물이 아니다. 따라서 우리들은 소수의 예술적 재능을 지닌 어린이를 발굴하여 소수의 예술가 육성을 위한 교육을 할 수는 없다. 우리들은 모든 어린이들을 예술가로 보아야 할 것이다. 이미 예술가인 모든 어린이들을 예술가로 봐줄 것을 강조하고 장려하는 이유는 그들의 감정을 충분히 발달시키며 균형있는 발달을 위해 필요하다.라고 그의 저서 평화를 위한 교육에서 밝히고 있다. 페스탈로치(Johann Heinrich Pestalozz,i 1746~1827)도 미술교육에 대하여 감각을 예민하게 하며 사물을 명확히 관찰할 수 있는 관찰력을 키워주고 이해력과 정신력을 배양시키는데 필요한 교육이라 하였다. 어린이들은 그리고 만들고 꾸미면서 상상력을 높인다. 웅덩이 고인 물에 종이배를 띄우고도 상상력만은 오대양 육대주를 누빈다. 그러니 그 미술 교육이 선생님을 주제로 이루어진다면 매우 위험하다. 어린이가 주체가 되어야 한다. 선생님은 다만 미술 활동을 할 수 있는 분위기를 조성하고 동기유발을 강하게 시켜주는 것에 신경을 써야 한다. 선생님이 교육하는 미술은 기술상의 문제는 해결될 수 있지만 어린이들의 상상력이나 창조력은 그만큼 감소되기 때문이다. 피카소(Pablo Ruiz Picasso, 1881~1973)의 창조된 예술은 언제나 서툴다는 말을 상기해야 한다. 모방된 예술은 세련될 수는 있어도 창조력이 떨어진다.
콘스탄틴 브랑쿠지 '입맞춤' 편안한 여행을 최고의 사치로 여기는 루마니아의 은자 브랑쿠지(1876-1957)의 작업실에는 네가 예술가임을 잊지 말아라. 신처럼 창조하고, 황제처럼 주문하고, 노예처럼 일 하라.라는 글이 있었다 한다. 어쩌면 게을러질 수도 있는 자신을 다잡아 가는 글귀로 이만큼 처절하도록 절실한 말은 흔치 않다. 파리의 작업실에서 브링쿠지 자신을 역사적인 조각의 거장들과 비교하며 존경하는 숭배자들에게 그러지들 마. 그 작품들은 밥벌이로 만들어진 것들이야. 젊은 시절의 나 역시 그 모든 시간을 밥벌이와 해부, 그리고 모방이나 재현 속에서 손쉽게 그러나 스스로는 독창적이라는 생각 속에서 일을 했지. 그러다가 어느 날 나는 부끄러웠어. 묘지의 비석으로 한 쌍의 부부를 닮게 만들었는데 그것이 얼마나 허망한 것인가를 깨닫게 된 거야. 닮은 것 보다는 서로 사랑했으나 이제는 땅 속에 묻혀 있을 모든 부부의 마음과 닮은 어떤 것을, 그 영원을 표현해야 했다는 말이지. 자신이 혼자서 일을 시키는 황제가 되고. 죽어라 일만하는 노예가 되고. 그것도 모자라 신과 같이 창조해야 된다는 주문처럼 그는 제자도 조수도 없이 평생을 혼자서 만들고 부수고 다시 만드는 과정을 되풀이 하며 보냈다. 그러면서 그가 그토록 노력하는 것에 걸맞게 상당히 빠른 시간에 원시적이고 본질적인 양감으로만 재현되어서 불필요한 군더더기를 모두 벗어 버린 형태, 또는 기하학적인 형태에 접근하고 있었다. 1908년 파리에 온지 4년 만에 그는 몽빠르나스의 묘지에 있는 입맞춤으로 그의 미래를 예고하고 있었다. 루마니아의 목동이었다가 미술학교의 최우수 학생이었다가 루마니아의 메달과 상금을 독차지 했다가 좁은 환경에 한계를 느끼고 더 넓고 더 좋은 환경을 찾아 파리까지 걸었다. 별을 이불 삼아 노숙을 하며 무작정 걷다가 병을 얻어 류네빌에서 머물고 있을 때 파리의 루마니아 친구가 2루이를 보내주어 기차를 탈 수 있었고 1904년 7월 14일 지친 몸을 끌고 파리에 입성했다. 그래서 그는 평생 편안한 여행을 원했고 파리의 기차 시간표를 모두 외웠으며 나의 생애를 돌아보면 기적의 연속이었다는 말을 남길 수 있었다.
엄마 류인하의 꽃 어느 날 우연히 자료를 찾다가 어느 여류화가의 도록을 보았다. 딸의 편지를 보며 가슴이 뭉클하면서 이어 엄마의 (작가의 변)을 읽었다. 딸 글을 먼저 보았으니 이른바 하극상의 결례를 범한 셈이다. 아이 엄마라 밝힌 딸의 글이 눈에 먼저 들어와서 그럼 엄마의 마음은?이 된 것이다. 그 엄마에 그 딸이었다. 다행스럽게도 이렇게 아름다운 마음을 속삭이는 사람들도 있었구나. 고마웠다. 인간들이 뱉어내는 온갖 악취로 인하여 질식할 것만 같은 세상에서 한 줄기 쏟아지는 산소지대를 지나는 것 같았다. 엄마는 작가노트에서 나이가 든다는 것은 세상을 더 곱고 신비롭게 볼 수 있는 새로운 눈을 뜨게 된다는 말일 것이다. 자연의 모든 사물과 대상을 순한 눈으로 대할 수 있으니 보이는 심연과 보이지 않는 심연이 새삼 보이게 마련이다. 자세히 보아야 보이는 그 꽃들에서도 새로운 의미가 보이듯, 자연이 참 곱다. 이번 전시는 노랫말 엄마의 프로필 사진은 왜 꽃밭일까에 의미를 담아 풀어보고 싶었다. 이른 봄부터 나의 꽃밭에 물들여온 꽃을 나의 페르소나(Persona)로 캔버스에 풀어본다. 딸에게서 온 편지 엄마 예전에 제가 여쭤봤던 적 있지요. 엄마는 왜 늘 꽃을 그리세요. 엄마는 예쁘잖아. 이만큼 예쁜 것도 없지. 그러셨죠. 그 때는 대수롭지 않게 들었던 것 같은데 제가 어느덧 결혼을 하고, 아이를 낳고, 아이가 저에게 엄마라고 불러주는 시간에 이르러 다시 보니 꽃이 예쁘네요. 우리는 모두 엄마, 아빠의 나무에서 꽃으로 태어났어요. 나는 꽃이 되어 또 다시 나무가 되고 그 나무가 꽃을 피우네요. 꽃 피운 나무였던 그 때를 기억하고 싶어서 꽃으로 태어난 나를 저장하고 싶어서 엄마는 꽃을 옮겨 담아요. 그 꽃들은 엄마의 어떤 날 일까요. 꽃을 보듯 누구를 보며 엄마는 그림을 그리고 계실까요. 무엇보다 꽃은 그냥 예뻐요. 엄마 말씀이 늘 그랬듯. 맞아요. 꿈의 대화가 도록의 종이 한 장을 사이에 두고 이뤄지고 있었다. 저 높은 산봉우리에 부는 산들바람처럼 맑고 향기롭게.
익산 소재 모던갤러리에서 2019년 6월에 어머니와 함께하는 그림 여정이라는 타이틀의 전시가 열린 일이 있었다. 그 전시회는 인간극장이라는 TV 프로가 거의 동시에 방영되면서 한 번도 보지 못한 기현상이 벌어졌다. 전국에서 관객들이 몰려와 미쳐 그림들을 벽면에 걸지도 못한 상황에서도 그림이 팔리는, 마치 도매시장 같은 분위기가 연출되었다. 어머니 김두엽 작가와 아들 이현영 작가의 모자 전이었는데 그들의 우여곡절 한 삶이 방송을 통해 전국을 강타하였기 때문이다. 아무리 매스컴의 위력이라지만 그런 전시 풍경이 되리라고는 아무도 예상 못 했을 것이다. 아들 이현영 작가는 어렸을 적부터 주위에서 인정받은 탄탄한 실력으로 정확한 소묘에 근거하면서도 대상을 아련하게 표현할 수 있는 점묘 방식으로 표현하고 어머니 김두엽 작가는 비상한 두뇌로 당신의 모든 추억을 소환하여 작은 종이에 큰 행복을 주는 그림을 그리고 있었다. 1928년생인 김두엽 작가는 83세에 처음으로 그림을 시작하였다 하니 미국의 국민화가라 불리는 모지스 할머니의 76세의 그림 입문보다 더 늦은 나이에 그림을 시작하여 오늘에 이르렀다. 나는 이미 유튜브 영상을 통해 김두엽 작가를 알고 있었다. 일반인들에게 나도 그림을 그릴 수 있다는 말을 전하기 위해 강의 자료를 찾다가 발견했었다. 그 유튜브 영상에서 화가 아들이 무심코 어머니 옆을 지나다가 어머니가 그림 그리는 것을 보더니, 나무젓가락을 깎아 주면서 이럴 때는 이것으로 해봐요.라고 했다. 내 기억으로는 그림에서 나뭇가지를 표현하는 것을 보고 그랬지 싶다. 기술의 전수가 아니라 재료의 선택에 일조했을 뿐이다. 모자의 일상은 항상 조용한 신뢰가 있는 듯했다. 참고로 모지스 할머니는 88세에 오늘의 젊은 여성상을 받았고, 93세에 타임스지 모델이 되었으며, 100번째 생일은 모지스의 날로 제정되었다. 얼마 전 모지스 할머니의 그림이 4억 원에 팔렸다는 소식도 들었다. 어머니 김두엽 작가도 부디 오래 사셔서 더 큰 영광을 누리시기를 바란다.
몇 주 동안 색채를 말했으나 색채학(學)이나 론(論)에 관해서는 이제 막 발을 들여 밀었을 뿐이라고 보면 적합할 것이다. 생활에 필요한 색채를 생각나는 대로 순서 없이 말했을 뿐이다. 우리는 지금 거의 다 보행보다는 자동차의 주행에 의존한다. 그야말로 마이 카 시대에 살고 있다. 겨울 얼음판을 걸을 때 힘을 주어 걷던 기억마저도 가물거린다. 지금은 차를 고를 때 대부분 자신의 취향이나 라이프 스타일에 맞춰 색상을 선택할 것이다. 70년대에는 자가용은 거의 검은색이고 택시는 노랑이나 초록이 많아서 미국영화에 나오는 다양한 색상의 자동차를 부러워하기도 했었다. 2018년의 보고서를 살펴보니 전 세계 자동차 색상 선호도가 흰색 41%, 검정 16%, 회색 계열 13%, 실버 9% 등이 전체 차량의 80%로 나왔다. 나머지 20% 안에 빨강을 비롯한 다양한 색상이 있을 것이다. 미국은 무채색의 색상이 75%를 차지하는 반면 중국만은 의외로 빨강, 파랑, 노랑, 브라운, 골드의 순서로 발표되었다. 이는 국민성이나 개성을 적극적으로 표출하는 사례이다. 그러나 차량 색상의 안전도는 또 다르다. 자동차의 색상이 사고율과 밀접한 관계가 있다. 파랑은 같은 거리에서도 7m 더 멀리 있는 것처럼 느껴진다. 그러므로 파란 차는 실제보다 더 멀리 있다고 인식하게끔 하는 착시 효과로 사고율이 제일 높지만, 노란 차는 빛의 굴절률로 더 가까이 있다는 인식이 되어 학교 버스나 어린이집, 학원 차량 등은 노란색으로 채택하는 것이 전 세계의 추세이다. 한편 붉은색 차량은 파랑과 반대의 효과로 낮에는 사고율이 적지만 밤에는 짙은 검정으로 착시 효과가 있어 야간 사고율은 더 높다. 차량의 온도는 실제 36℃의 상황에서 흰색 차의 표면 온도는 54.4℃, 파랑은 71℃, 빨강은 73.8℃, 어두운 초록색은 79.4℃, 검은색은 83.3℃의 압도적인 차이를 보여주고 있으니 더위에 약한 사람이나 장거리를 가야 하는 사람은 자동차를 잘 관리한다는 조건으로 흰색 차량도 추천할 만하다. 흰색은 시인성은 높지만 그만큼 먼지가 앉았을 때 이마저도 눈에 너무 잘 보이기 때문이다. (두 달을 색채 타령이다. 색채는 좀 쉬어야겠다.)
괴테 샘물이 떨어지는 소리/ 아름다운 무늬의 날아가는 잠자리/ 나는 이미 긴 시간 지켜보고 있었다/ 짙어지기도 하고 옅은 색이 되기도 하고/ 카멜레온처럼/ 또는 빨갛게 또는 파랗게/ 또는 파랗게 또는 초록으로/ 아! 가까이 다가가 저 색을 보고 싶구나/ 휘익 날아서 떠오르고 조금도 쉬지 않아/ 그러나 조용히 잠자리가 버드나무에 앉는다/ 자, 잡았다 잡았다/ 그런데 응달에서 잘 보면 음기의 어두운 파랑의 한색/ 온갖 기쁨을 분석하는 너도 같은 생각을 맛보겠지.는 18세기에서 19세기에 걸쳐 명성을 얻었던 「젊은 베르테르의 슬픔」을 쓴 괴테(Johann Wolfgang Von Goethe 1749-1832)의 <기쁨>이란 시다. 번역 과정에 문제가 있었는지 시는 매끄럽게 이어지지는 않았다. 그러나 이 시에서 보면 잠자리의 몸이 변하여 환상적인 여러 가지의 색으로 보이는 것을 관찰하는 것이 보인다. 나중에 괴테는 이러한 자연 관찰과 당시 예술의 선진국이었던 이탈리아에 머물면서 미술품의 색채 조형에도 몰두하였다. 이를 토대로 20년에 걸쳐 「색채론」을 3부작으로 펴냈다. 1부는 색의 정의 및 관찰한 내용에 기인한 색채론을, 2부에서는 토론을 3부에서는 색의 역사를 다루었다. 괴테의 색채 관이 기술되어있는 것은 1부이다. 1부는 다시 6편으로 나뉘며 생리적 색채, 물리적 색채 등으로 시작하여 색채의 감각과 정신적 작용으로 끝난다. 1부 1편 1장 생리적 색채에서 그는 눈에 대한 빛과 어두움의 관계나 2장 눈에 대한 검정과 흰색의 상(像)의 관계를 말했는데 색채는 빛과 어둠 사이에 있다는 것이다. 이는 거슬러 올라가 고대 그리스의 아리스토텔레스가 이미 말한 색은 빛과 어둠의 혼합에서 만들어진다와 같은 맥락이다. 3편은 색채 심리를 다루었는데 색채를 객관적인 각도거나 물리학적으로 다루지 않고 우리에게 색채가 보이는 방법에 대하여 통찰하고 있어 지금으로 말하면 지각심리학이나 색채심리학의 영역이 된다. 그리고 괴테는 스스로 색상환을 만들고 노랑과 파랑을 주축으로 하는 색채론을 전개하였다.
또 천주교의 성직자가 입는 여러 가지 색상의 옷에도 관심을 기울여 보자. 12세기의 교황 이노센트 3세의 기준을 보면 흰색은 환희결백승리영광불사(不死)의 상징으로 혼례 때의 천사 및 청문 된 사제의 제식에 사용되었고, 빨간색은 불과 피, 신의 사랑을 상징하여 신이 사랑의 불꽃을 피우는 성령제 혹은 순교자의 제식이나 수난일과 성령 강림제에 쓰였으며, 초록색은 희망행복, 영원한 생명으로 성직자의 연륜을 나타내는 데 사용되었고 검은색은 애도를 상징하여 장례식과 성금요일에 쓰이도록 한 것을 알 수 있다. 흔히 우리나라를 일컬어 자칭 백의민족이라고들 하지만 이는 우리를 미화시킨 것으로 염색하는 시간과 공력이 없어서이다. 옛 사극을 보라. 조정에서의 관복에는 흰색이 없다. 우리나라에서는 계급과 신분을 나타내는 데 쓰였으니 평민들이 채색된 옷을 입을 수 있는 기회는 고작 혼례 때나 아이의 첫돌과 같이 특별한 날에만 허용되었다. 녹의홍상이라거나 때때옷 등이다. 왕이나 귀족들에게만 염색된 옷이 허용되었고 그나마 등급을 나누어 입게 했다. 조선 왕조를 보면 정 13품과 종 12품은 붉은색, 정 46품과 종 36품은 파란색, 79품은 초록색, 사법을 담당하는 관리들은 검은색 등으로 구분하였다. 서양 르네상스 시기의 많은 성화에 나타난 옷의 색상을 살펴보자. 성모마리아나 예수와 같이 중심인물에 채색된 색채에는 파란색이 많이 쓰이고 그 중심인물에게서 멀어질수록 파란색의 농담이 엷어짐을 볼 수 있다. 당시 파란 안료가 다른 색 안료보다 몇십 곱절 비쌌기 때문이다. 햇빛이 없는 곳에는 의사가 찾아간다. 햇빛이 없으면 색도 없어서이다. 색채를 잘 이용하면 병원을 비롯한 각 사업장에서도, 아이들의 성장과 학습 능력에도, 하물며 사랑도 얻는다. 나폴레옹이 어느 날 연회를 열었다. 황후 조세핀은 그 당시 황제의 총애를 얻고 있었던 후궁이 그날 어떤 색의 드레스를 입을 것인지 염탐하라 일렀다. 파란색의 드레스를 입을 것이라는 정보를 듣고 연회장의 커튼 모두를 초록색으로 바꾸고 본인은 붉은색 계통의 드레스를 입어 다시 사랑을 얻었다.
색은 상징이다. 상징의 사전적 의미는 사회적인 규약에 따라 추상적인 것을 구체적 사물로 나타내는 일, 또는 그렇게 나타난 표지, 기호, 물건 따위를 말하는 것으로 태극이 한국, 십자가가 기독교를 뜻하는 것과 같다. 또는 어떤 관념이나 사상을 구체적 사물이나 심상(心像)을 통해 암시하는 일 등이다. 숫자는 수에 대한 상징이다. 이 세상의 모든 언어도 상징으로 구성되어 있다. 지역에 따라 다르지만 우리나라의 경우 숫자 4를 죽을 사死에 대입하여 싫어하고 빨간색으로 이름 쓰기를 꺼려하는 것도 그것들이 주는 상징 때문이다. 상징은 연상, 닮음, 관례에 의해 다른 것을 포현하는 개체, 그림, 쓰인 말, 소리, 마크와 같은 것이다. 다 알진 못하나 대학교도 각각 호랑이, 독수리, 청룡, 봉황 등으로 상징되지 않는가. 앞서 말했듯이 색은 각 지역을 상징하기도 하고 방위를 상징하며 등급도 상징하지만 연상 작용에서 오는 상징도 만만치 않다. 색의 상징에는 인간의 마음을 흔드는 정서적 반응과 색을 국가적 사상 또는 그 규칙의 표지색으로 하려는 사회적 규범의 두 가지가 있다. 빨간색의 정서적 반응으로는 정열을 상징하거나 불을 연상시키기도 하지만 사회적 규범으로는 정지나 위험을 상징한다. 메소포타미아의 지구라트(Ziggurt)는 고대의 네모반듯한 계단 모양의 성탑으로, 하늘에 있는 신과 지상을 연결시키기 위한 것인데 구약성서에 나오는 바벨탑은 바빌론의 지구라트를 의미하는 것으로 사상만으로는 한문의 무巫와 같다. 이 지구라트를 채색할 때에도 최상층이 빨간색, 최하층이 검정색, 지붕은 황금색으로 했다. 황금의 지붕은 태양을, 빨간색의 상층부는 비옥한 토지를, 하층부의 검정색은 황천을 상징하려 했기 때문이다. 그리스 신화에서 제우스는 파란색의 옷을 입고 하늘을 상징하며, 디오니소스는 붉은 옷을 입어 피와 생명을 불태우는 정열을 상징하고 비너스는 초록색의 옷을 둘러 희망을 상징하였다. 이집트에서도 빨간색은 불과 사랑을 상징하였고 초록색은 영혼의 재생과 희망을 상징하였고 파란색은 공기와 지혜를 표상하였다.
흰 어린이 형태는 배경의 흰색보다 더 희게 보인다. 색채에 대한 감정은 또 지역마다 다른 경우가 있다. 우리에게는 오방색이 있다. 방위를 뜻하는 색으로 쉽게는 더는 분해되지 않는 삼원색인 빨강, 노랑, 파랑에다가 흰색과 검정을 합하면 된다. 중앙에서부터 노랑, 동쪽은 파랑(靑龍), 서쪽은 흰색(白虎), 남은 빨강(朱雀), 북은 검정(玄武) 오방색인 데 반해 미국은 검정이 동쪽이고 서쪽은 노랑, 남쪽은 파랑, 북쪽이 회색이다. 우리에게는 동쪽이 태양이 떠오르는 성스러운 방향이지만 그들에게 동쪽은 미지의 암흑이다. 그래서 그런가 우리는 동서남북인데 그들이 만든 뉴스N E W S는 북 동 서 남이다. 노랑도 우리는 중앙에 위치하며 왕의 곤룡포도 노랑을 원칙으로 한다. 그런데 기독교 문화권에서는 노랑을 아주 천시한다. 가룟 사람 유다가 예수를 배반할 때 입었던 옷이 노랑이었기 때문이다. 그다음에는 노예들의 옷 색상이 노랑이었으며 유대인들이 가슴에 부착해야만 했던 노란 별도 무관하지 않다. 얼마나 노란색을 미워했는지 황구(Yellow Dog)라는 욕설도 있고, 노랑목소리 (Yellow Voice)는 간교하거나 교활한 목소리, 또는 영웅다운 목소리를 의미하는 것이 아니라 고작 이성을 꼬드기려는 색스런 목소리로 비하하기도 한다. 러시아에서는 아예 아름답다는 단어와 빨강이라는 단어가 같이 사용된다. 전쟁터에서의 흰색은 항복을 뜻하지만, 순결이나 숭고를 뜻하거나 절망이나 공포로도 분류된다. 문학평론가 김윤식의 흰빛을 통해서 본 문학적 형상의 분류를 보면 헤밍웨이의 킬리만자로의 눈에 표현되는 흰색을 숭고의 세계로, 오상원의 유예에 나타나는 흰색을 절망으로, 멜빌의 모비 딕에 나오는 흰색은 공포, 최인훈의 광장에서 표현한 흰색을 환희라고 규정짓고 있다. 이렇듯 색채가 점령한 우주에서 길들고 훈련된 인간을 맨 처음 놀라게 하고 지배한 것은 낮과 밤이었을 것이다. 밝은 태양과 캄캄한 암흑이라는 두 개의 공간 속에서 공간에 따라 인간의 행동을 규제하였고 순응과 적응, 혹은 공포나 절망 또는 반항의 양식을 찾게 하였을 것이다.
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